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西方静物画的历史脉络和语境
静物一直是西方四大绘画题材之一（其他三个为肖像、历史、风景）.静物题材在中国画中早已存在,只不过并不作为主流.中国画中的静物往往也不能等同于西方绘画写生意义上的静物,它被当成一种借物抒情的中介,中国画长期以来有重视意境而忽视形似的传统,所谓意在画外,追求的是一种超越物质外观达到某种意境的升华.静物因能保持静止,方便艺术家长时间对其外形进行描绘,可以说是西方艺术特有的类形,是在以艺术家的技艺与外部自然能够完美对应的艺术标准下形成的.这一美学标准在中国画那里是不成立的.静物画传入中国是19世纪末国门打开时,西学东渐的风潮使得这种艺术形式进入了国人的视野,逐渐被采纳接受.如今静物画已经成为一种常见的绘画类型,跨入绘画门槛必要的条件之一就是从简单的静物写生开始,美术的等级考试以及美术院校高考也往往采用静物写生作为考试的内容.这种题材形式作为一种常态其背后的历史与文化背景却显得陌生,而静物画的出现并且独立必然有其独特的发展脉络和特定的语境.
静物画在早期古埃及墓穴的墙壁上时有出现,它成为了一种能伴随死者前往往生世界并在那里继续被使用的迷信.在古希腊和罗马时代静物也常被画在墙壁和地板上,用于装饰作用和作为某种愿望的象征符号,例如代表丰收和食物的充足.在中世纪,静物画频繁的出现在手抄本、书籍和木板画中,如罗伯特?坎宾的《报喜三部曲》,以及佩特鲁斯?克里斯图斯的《圣埃利吉乌斯》.它是宗教题材的附属,兼具着一些教诲世人的含义.这些作品中描述的静物都包含具体的象征意义(例如,百合代表纯洁、处女、圣母).文艺复兴早期,乔托在他的壁画中绘制日常用品,这些物品包括了宗教用品,其本身具有宗教教化的功能性,另一方面,描绘这些器物也帮助乔托的绘画进一步拟真了外部世界.尼德兰的艺术家比如扬?凡?艾克作品中也常常出现静物,甚至作为其画面的重要组成部分,其代表作《阿尔诺芬尼的婚礼》中室内摆放的物品包括镜子、鞋子、吊灯还有家具都被精确而详细的刻画,只不过在这件作品中的静物就如同两个人物的姿态一般,都隐藏着它义,有的代表祝福；有的代表了婚姻的贞洁等.此时静物画还不能还原其本身的意义.达芬奇以静物写生为手段对自然进行研究探索,是他使静物画摆脱了为宗教、道德服务的功能.在巴洛克时期静物画的类别渐渐变得明晰,这可以在鲁本斯的作品中察觉到.他经常把画面中的静物或者动物的部分外包给专门的艺术家,比如与他经常合作的小扬?勃鲁盖尔,他以擅长画花卉著称,这说明在此时专门画特定题材的画家开始出现.
一般来说,真正意义上静物画兴起于荷兰和西班牙北部(安特卫普,船帆,哈勒姆,莱顿,和乌特勒支),并成为低地国家独有的画种.英文still life来自于荷兰语stilleven,派生于拉丁语stilleven,这个词具有“死亡的自然物”的含义.十七世纪的荷兰贸易的发达以及宗教改革带来的社会制度的变化,使得城市世俗化、商业化程度极高,城市化带来了一个强调家庭和个人的财产,重视商业、贸易,重视学习以及生活娱乐的社会环境.城市新兴资产阶级实力增强,对于绘画的需求从原来为宗教服务功能渐渐转变为满足个人财身份、财富与声望.协会团体与市民阶层的市场需求也导致荷兰的肖像群像与风俗画逐渐增多.地理大发现以及对外贸易的频繁使得17世纪的荷兰是一个对自然与外界充满好奇心的时代,很多异国的动植物以及特产、器皿、日常用品大量在欧洲传播,动植物百科全书与标本图谱都促进了数以千计的静物画的产生.花卉画在其中尤为突出,画家如巴尔萨泽范德、罗朗萨瓦里的作品通常描绘集中在一个花瓶中来自不同国家、不同大洲的花卉.老勃鲁盖尔和小勃鲁盖尔也是花卉题材主要实践者,他们的作品常常被收藏,例如皇帝、贵族和有钱的商人,都是他们的顾客.在米德尔堡和海牙“宴会”主题的绘画大行其道.画面一般内容是木质桌面上摆放一些熟悉的食物(火腿、奶酪、牡蛎等等)搭配杯葡萄酒或啤酒,这些画往往出现在食堂或餐厅的墙壁上,象征着食物的丰盛.
pronk stilleven（荷兰语为“浮华静物”）是静物画的一个特殊类型,17世纪40年代安流行于安特卫普和佛兰芒画家中.进口水果和昂贵的中国瓷器、威尼斯玻璃器皿和镀银的杯子、托盘等常成为摆放组合的主题,画面弥散着一种闪闪发光和天鹅绒般的气氛.因为这些作品单纯地强调审美情趣并具有较好的装饰效果,浮华静物画在荷兰流行一时.
vanits（虚空）画,也在同一时期出现,被精心摆放的水果和鲜花、雕像、花瓶、钱币、珠宝等常被组合到画面里,这些象征财富与虚荣的静物组合表达了生活的无常,如雅克?德?盖恩的《虚空的静物》表达了感官愉悦的虚无与短暂,对人们过度的物质提出了警告.这些道德说教不同于以往的宗教教化,它们往往直面世俗社会人性的局限.
在17世纪下半叶, 荷兰画家为外国王公贵族生产的静物画在欧洲广泛传播并拥有巨大的市场.佛兰德斯、德国和法国画家通过长时间的学习和借鉴,专业技术性的差别也已经变得越来越小,许多18世纪法国艺术家继承了荷兰的传统,如夏尔丹.他的静物画题材多选取日常的食品和器皿,简单而又含蓄的风格对19世纪的绘画产生了不小的影响.
到了十九世纪,随着欧洲艺术学院的崛起,尤其是法兰西学院在艺术体系的核心话语权作用下,静物画的地位开始走下坡.在当时的学术体系中,绘画的最高形式包括了历史,圣经或神话,达维特与安格尔的绘画是学院派代表.静物画相比于圣经或古代神话的场景画在学院看来是非常低级的绘画.尽管我们现在惊叹于拉图尔技艺精湛的古典静物画,并且其作品在十九世纪后期还产生了深远的影响,但他的绘画在当时也仅仅是为了谋生,为私人收藏而作.直到19世纪末印象派和后印象派的出现使情况发生了改变.由于摄影术已被发明,艺术家不再关注于做一个拟真的绘画.替代的是尝试使用颜色,形状和画法去描绘物体本身而不是它们具有的含义.这些艺术家中最伟大的是保罗塞尚,他把静物画提升到了一种艺术形式自律的高度.
艺术家们放弃了过去写实的手法再现静物,使用具有表现力的可以分辨的笔触和夸张的颜色,试图唤起这些物体本身的的美感,使绘画本身成为了焦点.如亨利?马蒂斯使用色彩来挑战我们对水果、鲜花和器皿的视觉经验.毕加索与勃拉克通过对静物多角度描写,将其置于同一个画面之中,以此来诠释物体最为完整的样貌.胡安?格里斯使用静物来检验我们感知对象在时间和空间上的存在方式等.
静物画作为一种常见的绘画题材有着悠久的发展历史,在不同时期根据社会人文环境的不同,静物画完成了多种角色与功能的转换.在今天,静物画也应该为自己找到恰当的位置,以全新的样貌出现.我们已经不能回到过去重复已经兑现的功能和方法,作为艺术工作者当你在处理静物画题材的时候,能否为静物画提供一种新的可能性？这是静物画在今天留给我们的一个作业.
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